ONDE HABITA O MEDO

 

Silvana S. Silva

 

Onde habita o medo

Autor: Tai
Desenhos: Niil
HQ brasileira ambientada na região Norte do Brasil

 

O cheiro de rio e o peso do silêncio

A história começa com aquele alívio gostoso de quem volta para casa. Kauê deixa a bagunça de Belém para trás e entra no ritmo do rio. A gente quase consegue sentir o vento úmido no rosto e aquele sol alaranjado que só existe no Norte, batendo na pele enquanto ele chega à casa dos avós.

É um começo que abraça: tem o cheiro do café coado, o estalar do chão de madeira e aquela paz de estar com quem a gente ama. Dá vontade de morar dentro dessas primeiras páginas.

Só que, conforme o dia cai, esse aconchego vai ficando meio estranho. Sabe quando você sente que tem alguém te olhando, mesmo estando sozinho? Pois é. Os desenhos mostram uma floresta que não é só mato; ela parece um bicho gigante que está ali, parado, observando.

O autor não busca assustar o leitor logo de início; ele vai plantando uma sementinha de dúvida. Entre uma história e outra contada pelos avós, você percebe que o medo deles não é superstição boba.

É um medo real, de quem conhece os segredos que o rio esconde quando a luz vai embora.

 

Onde o trauma vira monstro

Quando a noite chega de vez, o azul toma conta de tudo e o clima fica pesado, quase sufocante. Aquele papo de criança desaparecida na região deixa de ser boato e vira um desespero que dá nó na garganta.

Kauê acaba no meio de um pesadelo que mistura as lendas antigas com a dor de ver a floresta sendo maltratada. O traço do desenho aqui fica mais “sujo”, mais intenso, e você sente a aflição do menino tentando entender o que é visagem e o que é perigo de verdade.

O que mais mexe com a gente no final não é nem o monstro em si, mas o que ele representa. O “medo” ali não é um vilão de filme; é o grito de uma terra que está sendo invadida e de uma cultura que as pessoas tentam apagar.

Você fecha a HQ com um vazio no peito, meio pensativo, sentindo que o verdadeiro horror não está nas sombras da mata, mas no que o ser humano é capaz de destruir.

É uma leitura que não sai da cabeça facilmente; ela fica ali, cutucando, lembrando que a floresta tem memória e que o medo, às vezes, é a única coisa que sobra quando a gente perde as raízes. 

 

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Silvana S. Silva é graduada em Ciências Econômicas, com especialização na área de Negócios Digitais. Atua como tradutora de francês e inglês, desenvolvendo atividades relacionadas à comunicação e à mediação linguística. Atualmente, dedica-se ao estudo e à aplicação de ferramentas de Inteligência Artificial no cotidiano, buscando ampliar conhecimentos e explorar novas possibilidades de uso dessas tecnologias em contextos profissionais e pessoais.

 A DUPLICIDADE DE SENTIDOS E O DISFARCE DAS IDENTIDADES EM REI LEAR

 

Célia Arns de Miranda

 

 

(Este estudo é um pequeno recorte de um artigo que ainda está sendo desenvolvido sobre a peça Rei Lear que é considerada uma das quatro grandes tragédias de Shakespeare, juntamente com Hamlet, Macbeth e Otelo.)

 

 

Crédito da imagem: Edições livre. Disponível em <https://edicoeslivre.com.br/rei-lear-edicoes-livre> Acesso em 16 jun. 2026.

 

Apesar de que em toda a obra dramática de Shakespeare a temática da aparência e realidade seja considerada uma questão fundamental, percebe-se que em Rei Lear esse tema destaca-se em diversos níveis. Na realidade, as peças shakespearianas apresentam dois níveis de significação: uma significação apresentada ou evidente e uma significação subjacente (FRYE, 1992) que é expressa por meio de metáforas, da imagística, da simbologia, dos Bobos, dos monólogos, do transvestimento, dos disfarces, das máscaras ou, por meio de certos discursos subordinados e subliminares. Esses níveis podem ainda ser chamados de “nível explícito” e “nível implícito”. Em Rei Lear, nós nos defrontamos com a duplicidade de sentidos em toda a tragédia.

Para os elisabetanos havia um perfeita interligação entre o indivíduo, o estado e a natureza. A peça Rei Lear trata do distúrbio que ocorre nesses três níveis quando o mal se instala sobre todo o seu conjunto: uma vez que se inicia esse processo, todos os personagens, sejam culpados ou inocentes, são arrastados, indiscriminadamente, em sua trilha destruidora. Nas peças shakespearianas, o mal está sempre vinculado a um ato de transgressão contra a natureza. Barbara Heliodora (1998, p.6) menciona que “não há nada de errado em Lear dividir seu reino entre as filhas. [...] Onde ele erra, onde ele transgride a natureza é na sua recusa em compreender o justo amor de Cordélia, preferindo acreditar nas bajulações de Goneril e Regan”, ou seja, para Lear a forma tem primazia sobre o conteúdo, a aparência deve preponderar sobre a verdade.

Obviamente, que o fato de ter sido enganado e iludido pela hipocrisia de Goneril e Regan foi um erro de grandes proporções, entretanto, o erro que coloca em movimento toda a ação do processo trágico, é o seu equívoco em relação ao amor. Lear considera-o como uma mercadoria que pode ser comprada com presentes ̶ nesse caso as três partes de seu reinado. Quando Lear pergunta, “Qual das três vai dizer que mais nos ama, // Para tornar mais amplo o nosso dote, // Pondo em debate a natureza e o mérito?” (SHAKESPEARE, 1.1. p.16), ele não se comporta apenas como uma pessoa tola e autoritária, mas como alguém que tem uma compreensão completamente errada da relação mais vital entre os seres vivos e demonstra ter um conhecimento muito superficial de suas filhas.

Ao perguntar para Cordélia o que ela tem a oferecer nessa competição verbal para ganhar “o terço mais polpudo que o das irmãs”, ela responde “nada, senhor” (“Nothing, my lord”). É interessante perceber que a palavra “nada” recebe uma ênfase adicional quando ela é repetida cinco vezes em uma troca de palavras de quatro linhas:

 

Shakespeare, muitas vezes, faz com que uma simples palavra como “nada” nessa passagem, sustente um peso de significados. Lear considera o amor como tendo um valor mensurável, que pode ser trocado por propriedade, da forma como Goneril e Regan fizeram. A palavra “nada” na resposta de Cordélia tem um sentido duplo: Cordélia, por um lado, afirma que não é possível dizer qualquer coisa que se iguale às asseverações substanciais e falsas de suas irmãs. E, por outro lado, a negativa de Cordélia está relacionada com a visão de amor de Lear como uma mercadoria. O amor de Cordélia é espiritual, não é material, não podendo ser trocado, comprado ou usado. A caminhada de Lear através da peça é da ignorância desse fato para o sofrido reconhecimento e constatação dele.

O que acaba por se tornar uma ironia é que, apenas algumas cenas mais tarde, Lear é obrigado a enfrentar um desdobramento cruel de seu próprio ato precipitado, fato que se torna uma constatação extremamente dolorosa para ele: Lear é desrespeitado, repudiado e expulso de seu próprio reino por Goneril e Regan. Ou seja, o elo (“bond”) familiar lhe é negado ̶ tal qual ele havia feito com Cordélia quando a expulsou de seu reino e negou a natureza e os elos familiares, ocasionando a desagregação de sua família e do Estado (guerra civil): a cena da tempestade na peça reflete o abalo da natureza a partir da subversão da ordem familiar e social. Lear, na sua trajetória de sofrimento, aprende, paulatinamente, o significado e a importância da palavra “bond” que ele próprio havia negado a Cordélia. Na visão de Frye (1992, p. 135), quando “Lear apela para a deusa Natureza para amaldiçoar Goneril, está se referindo a uma natureza que inclui o que é tipicamente natural do homem, a uma ordem de existência na qual o amor, a obediência, a autoridade e a lealdade são naturais por serem autenticamente humanos.”

 

Há duas concepções de sociedade na peça. Por um lado, a facção que vê a sociedade por um prisma de competição natural, de acordo com a analogia do mundo animal. Por outro, existe a concepção da sociedade representada pela rede de deveres que Cordélia defende: nesse caso, a sociedade, como uma família, é um todo orgânico, mantida unida pela harmonia espiritual e obrigação ética. Enquanto a peça trata das duas famílias e sua desagregação, a ideia da sociedade como um todo está implícita na noção da família; a desordem em uma é a mesma da desordem na outra. De certa maneira é correto afirmar que em Rei Lear todos os relacionamentos humanos são exemplificados pelos relacionamento Pai-filho.

 

Nada é mais acertado do que a afirmação de Jan Kott (2003) de que em Rei Lear a tempestade deve soprar no peito de Lear e Gloucester e não sobre o palco, para descrever o sofrimento desesperançado de um velho homem que um dia foi rei e que agora se prostra com humildade e desespero diante das filhas desumanas, insensíveis e cruéis. Não restam dúvidas de que o final da última cena do Ato 2 é uma das mais contundentes na tragédia: Lear desnuda o seu peito estilhaçado para as filhas intransigentes, ele clama desesperadamente por paciência, “Oh céus, dai-me paciência; é o que preciso!” (2.4, p. 91). Lear tenta controlar-se heroicamente: o esforço para argumentar com as filhas foi excessivo e ele se desestrutura ao pronunciar ameaças incoerentes, “[...] Bruxas anormais. // Hei de vibrar nas duas tais vinganças // Que o mundo inteiro...Eu farei tais coisas, // Não sei o que serão, mas hão de ser // O horror da terra (...)” (2.4, p. 91). O último verso dessa fala, “Bobo, eu enlouqueço!” sugere que a loucura se aproxima como também se aproxima a tempestade. Essas palavras dirigidas ao Bobo são por si só poderosas entretanto, o contraste dessas palavras com a linguagem dos outros personagens que permanecem no palco acrescenta um pathos adicional: todos eles falam com uma tonalidade impassível, inalterada dos que são totalmente insensíveis ̶ “Vamos entrar. Vai haver tempestade.” (2.4, p. 91). A partir da repetição da frase “Tranque as portas; a noite está violenta. [...] saiamos da tormenta.” (2.4. p.93) por Regan e Cornwall ao final da cena 4, as duas facções estão definitivamente divididas, física e simbolicamente. Lear, o Bobo e Kent foram mandados desprotegidos para fora. Gonerial Regan, Edmund e Cornwall estão dentro do palácio, protegidos pelo poder. E, como Frye afirma com ironia, o “violento séquito” de Lear consiste apenas no Bobo.” (1992, p. 133).

 

REFERÊNCIAS

FRYE, N. Sobre Shakespeare. (Tradução e Notas) Simone Lopes Mello. São Paulo: Editora da Universidade de São Paulo, 1992.

HELIODORA, B. Falando de Shakespeare. São Paulo: Perspectiva; Rio de Janeiro: FUNARTE: Cultura Inglesa, 1997.

HELIODORA, B. Introdução. IN: SHAKESPEARE, W. Rei Lear. (Tradução) Barbara Heliodora. Rio de Janeiro: Lacerda, 1998.

KOTT, J. Shakespeare nosso contemporâneo. (Tradução) Paulo Alves. São Paulo: Cosac & Naify, 2003.

SHAKESPEARE, W. Rei Lear. (Tradução) Barbara Heliodora. Rio de Janeiro: Lacerda, 1998.

 

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Célia Arns de Miranda possui Doutorado em Língua Inglesa e Literaturas Inglesa e Norte-Americana pela Universidade de São Paulo e Pós-Doutorado pela Universidade Federal de Santa Catarina. Professora Titular da Universidade Federal do Paraná. Atua como professora Sênior no Programa de Pós-Graduação em Letras da UFPR, e é professora do Programa de Pós-Graduação em Teoria Literária na UNIANDRADE.

 VIVA A LITERATURA

 

Amanda Vital

Créditos da imagem: OPENAI. ChatGPT. Gerada em: 12 de junho 2026. Disponível em: https://chat.openai.com

Quando me foi pedido para escrever sobre a minha vivência com a Literatura, admito que pensei em desistir. Como falar sobre algo que permeou a maior parte da minha vida? Como reduzir um conceito tão complexo em apenas alguns parágrafos? Como capturar a imensidão invisível da luz em um pequeno prisma?

Sou capaz de fazer isso? Definitivamente não. Mas, talvez eu não precise. Por que eu deveria tentar definir o indefinível? O que quero dizer? Bem, se a Literatura sempre esteve presente em minha vida, então por quê pensei em falar dela como conceito e não como o que a Literatura realmente é? Uma parte da existência humana.

Eu poderia começar explicando como a Literatura me foi apresentada quando eu ainda era bastante jovem; ou das incontáveis idas a bibliotecas; da quantidade levemente problemática de dinheiro deixada em sebos; da coleção de impressos que ocupa mais espaço que minhas roupas. Tudo isso faz parte da Literatura em minha vida, mas não é assim que pretendo contar essa história.

Quero começar minha memória pelo período que eu gostaria de esquecer: o um ano e meio em que morei em Portugal, na cidade do Porto para ser exata. Estaria mentindo se dissesse que tudo foi horrível (afinal, a pior das tempestades ainda consegue formar um arco-íris). Mesmo assim, foi um período para mim com mais tristezas do que alegrias. Apesar de tudo, a Literatura ainda se fez presente em minha vida.

Para aqueles que não sabem, Porto tem, a que é considerada, a livraria mais antiga do mundo. Ironicamente, apesar de ter morado na cidade por um ano e meio e considerar a Literatura como parte bastante definidora de quem eu sou, nunca visitei aquela livraria. Queria ter algum motivo legítimo para justificar essa ausência, mas a verdade é que… Precisa pagar entrada e eu sou mão de vaca, não me julguem!

Então, se eu nunca estive nessa livraria tão importante para história da Literatura como eu pretendo falar (ou escrever) sobre Literatura? Muito simples. Não falando sobre a livraria. A Literatura não está apenas na livraria. Está nos domingos nos quais eu e minha vizinha comíamos pizza enquanto bebíamos cidra de maçã (ela dizia que a de melancia era melhor, mas nunca achei para comprar) e ouvíamos música alta para incomodar as vizinhas fofoqueiras da casa ao lado.

A Literatura está em uma tarde no shopping, um filme ruim no cinema e fazer compras de Natal com uma pessoa especial. Gestos pequenos de afeto que eu interpretei como mera amizade, incapaz de ver a reciprocidade do que eu também sentia. Não na livraria, mas no brilho dourado do rio ao final da tarde e na alegria de dividir doces com uma amiga depois de um dia passeando pela cidade.

A Literatura está nas videochamadas com as amigas que estavam no Brasil. As longas (e ainda assim curtas) madrugadas nas quais conversávamos e jogávamos juntas, nos divertindo como se não houvesse um oceano nos separando.

É claro que a Literatura também está no preconceito sofrido; no medo constante de “virar estatística”; nos olhares enviesados que eu recebia; nos comentários de ódio velado, e nos explícitos também; nas situações perigosas e no medo de procurar ajuda e não ser ouvida (ou coisa pior). O que quero dizer com tudo isso? Que a Literatura é algo que vai muito além dos livros em uma livraria.

Querer limitar a Literatura a um punhado de autores ou a livros específicos é talvez o que de mais presunçoso que possa se fazer. Uma ostra pode produzir uma pérola, mas é apenas um pequeno ponto na imensidão de diversidade que forma o oceano. É claro que as pérolas são mais valiosas que uma sardinha, mas ninguém está tentando comer uma pérola ou fazer um colar com uma sardinha. Ambos são úteis de sua própria maneira. E, é em tal vastidão que também se espelha a Literatura.

A Literatura existe em cada ser humano, em cada pessoa que tenha uma história para contar (e toda história merece ser contada). Todo dia praticamos Literatura nas rotinas, nos vícios, nas alegrias, nas tristezas, nos pequenos gestos e nos chamados para a aventura. Somos seres narrativos, portanto nossa mera existência é literária, nossa vida é um livro de páginas invisíveis. Nossas vivências influenciam como lemos histórias, mas também como as contamos.

Todo livro merece ser escrito e toda Literatura merece ser vivida.

 

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Amanda Vital é Mestre em Teoria Literária pelo Centro Universitário Campos de Andrade, é escritora e designer freelancer. Possui dois livros publicados pela Editora Viseu: Amores Inocentes (2023) e Drinque Doce e Amargo (2023), e participação em diversas antologias.

 VOCÊ JÁ TOMOU UM BANHO DE INDÚSTRIA?

Álvaro Divardin

Em dezembro, fui ao Cine Guarani, que é da Fundação Cultural de Curitiba: sala boa, som ótimo, estacionamento bom, fácil de chegar e ingresso convidativo. Só faltou a pipoca — fica aí a dica.

 O filme que assisti foi O Agente Secreto, de Kléber Mendonça, com Wagner Moura no papel de Armando (ou Marcelo). Também tem a dona Sebastiana, papel da divertida Tânia Maria, de 79 anos, que já tinha sido figurante em filmes do Kleber Mendonça e agora atua em um papel de coadjuvante. Especialistas afirmam que há possibilidade de uma indicação ao Oscar. Kléber e  Wagner levaram melhor diretor e ator em Cannes.

 Curioso: quando tive a oportunidade, fui assistir e tudo o que li se comprovou. O filme é ótimo, a história é instigante, um thriller fantástico. Fui esperando ver um "Ainda Estou Aqui", mas é diferente. A semelhança é o ambiente da ditadura em 1977, assunto fundamental para nunca esquecermos dessa chaga da nossa história.

 Wagner Moura faz respirarmos junto com ele, desde a cena inicial no posto de gasolina. Nos exaltamos na briga no bar, até o momento em que descobrimos o desfecho de Marcelo. Fiquei desapontado, mas depois compreendi que era o necessário para a história. É a Divina Comédia. Me identifiquei com o Marcelo: professor e chefe de departamento na UFPE, cabelos longos, barba por fazer e roupa casual. Em certo momento, Marcelo vai ao aeroporto de Recife receber Ghirotti, "filhote" da ditadura, burocrata da Eletrobrás que vai à UFPE para fechar o departamento.

 Chegando em Recife, decepcionado com o visual do professor, o vilão ataca: "você precisa tomar um banho de indústria". Sei o que o Marcelo sentiu. Certa vez, um gestor falou para mim: "aqui você vai precisar ter postura executiva e não usar mais tênis de corrida". Ouvi, refleti, ponderei e continuo com o meu Mizuno no pé. Muito mais confortável.

A vida tem que ser leve!

  

Créditos da imagem: Imagem fornecida pelo autor.

“Sempre gostei de cinema de rua. Lembro-me de ver Ghost no Lido; De Volta para o Futuro no Condor; e Os Trapalhões no Vitória. Só não fui ao Glória, pois um menino pudico como eu não poderia entrar em uma sessão daquelas (risos).” (Álvaro Divardin)

 

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Álvaro Divardin é jornalista que não se condissera como um cinéfilo, mas um espectador médio que gosta de boas histórias.

 YOLANDA PENTEADO E A ARTE DE SUSTENTAR SONHOS

 

Alessandra Pereira Louzada

 

Créditos da imagem: OpenAI. (2026).  ChatGPT  21 de maio. https://chat.openai.com/chat

 

A literatura sempre me tocou. Mas foi o mestrado que aguçou minha percepção para aquilo que a arte tem de mais invisível: suas camadas humanas, históricas e afetivas.

Ao me debruçar sobre o estudo da Semana de Arte Moderna de 1922 e, especialmente, revisitando a minissérie Um Só Coração, da Rede Globo, senti algo difícil de explicar. Como se aquelas narrativas deixassem de ser apenas conteúdo acadêmico e passassem a ocupar um espaço sensível dentro de mim. Como se eu absorvesse e assimilasse tudo de outra maneira, uma experiência antropofágica, tal como propunha o próprio movimento modernista: devorar referências, memórias, histórias e devolvê-las transformadas em percepção, emoção e pensamento.

E foi nesse contexto que o meu olhar pousou diante da figura de Yolanda Penteado.

Existe algo profundamente simbólico na vida de Yolanda e na época em que ela viveu. Uma feliz coincidência histórica, ou talvez um raro privilégio temporal, ter convivido no mesmo espaço-tempo com Tarsila do Amaral, Mário de Andrade, Oswald de Andrade, Anita Malfatti e tantos expoentes da cultura brasileira.

Imagino aqueles encontros atravessados por ideias, arte, rupturas e sonhos de modernidade, enquanto São Paulo e o Brasil começavam lentamente a construir sua identidade cultural.

E Yolanda estava ali.

Não apenas como espectadora daquele movimento.

Mas como parte essencial dele.

Nascida na elite paulistana da época – a chamada elite quatrocentona – Yolanda poderia ter vivido apenas o destino confortável reservado às mulheres de sua classe social. Os salões elegantes, os eventos sociais, a vida cuidadosamente desenhada para parecer impecável e silenciosa.

Mas algumas mulheres nascem com uma percepção rara do próprio tempo.

Sobrinha de Olívia Guedes Penteado, uma das grandes incentivadoras da Semana de 1922, Yolanda cresceu cercada pela arte e pela efervescência intelectual daquele período. Talvez tenha aprendido cedo que cultura não é luxo. Cultura é construção de identidade. É memória coletiva. É permanência.

E quanto mais leio sobre ela, mais penso no quanto algumas figuras históricas acabam ficando à margem das narrativas principais, mesmo sendo fundamentais para que elas existissem.

Yolanda Penteado foi uma das maiores ativistas culturais do Brasil no século XX.

Desafiou seu tempo de maneira elegante, mas firme. Em uma sociedade ainda profundamente patriarcal, ocupou espaços de influência cultural, articulou movimentos, incentivou artistas e ajudou a construir instituições que transformaram definitivamente o cenário artístico brasileiro.

Sua vida atravessou encontros memoráveis.

Foi amiga de Santos Dumont, convivendo com o imaginário da invenção e do impossível. Manteve proximidade com Assis Chateaubriand, que dentre inúmeras realizações, fundou o MASP - Museu de Arte de São Paulo. Instituição com a qual ela sempre manteve uma relação de parceria.

Mas talvez um dos episódios mais fascinantes de sua trajetória tenha sido a criação da Bienal Internacional de São Paulo, em 1951, ao lado do marido, Francisco Matarazzo Sobrinho, o Ciccillo Matarazzo.

Há algo de cinematográfico nisso tudo.

A primeira Bienal só saiu do papel porque Yolanda atravessou oceanos para fazê-la existir. Viajou pessoalmente à Europa para convencer artistas, galerias e instituições a enviarem suas obras para o Brasil. Fico imaginando-a entre os museus europeus carregando consigo não apenas influência social, mas uma convicção apaixonada de que São Paulo precisava dialogar artisticamente com o mundo.

E conseguiu.

A Bienal Internacional de São Paulo ajudou a transformar a cidade num centro cultural permanente e colocou o Brasil no circuito internacional das artes.

E o que mais me emociona em Yolanda é aquilo que quase não aparece.

Ela não foi a artista mais celebrada de sua geração.

Não pintou como Tarsila.

Não escreveu manifestos como Oswald.

Não rompeu paradigmas estéticos como Anita.

E ainda assim, ajudou tudo aquilo a florescer.

Talvez esse seja um dos maiores segredos da história da arte: às vezes, quem sustenta uma revolução cultural não é só quem aparece no centro da cena, mas quem silenciosamente cria as condições para que ela exista.

Yolanda compreendeu algo raro.                                              

A arte também precisa de abrigo.

Precisa de pontes.

Precisa de quem acredite antes.                                                                                               

E foi exatamente isso que ela escolheu ser: não apenas uma mulher de seu tempo, mas uma mulher que ajudou a transformar o tempo em legado.

 

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Alessandra Pereira Louzada, graduada em Publicidade pela PUC-PR, atua na área da comunicação visual e marketing digital. Em 2022 lançou seu primeiro livro para o universo infantil – O Ladrão de Flores. Em 2023 lançou o segundo – A Dona Formiga e o Senhor Leão, ambos pela editora Giostri. Ministra cursos de escrita e de redes sociais ao público 60+. Voluntária na Capa dos Pobres como contadora de histórias às crianças em vulnerabilidade.

 

 A CRÔNICA DE UMA MORTE ANUNCIADA

 

Greicy Pinto Bellin

Em 1911, o escritor alemão Thomas Mann escreveu um texto que eu considero perfeito: Morte em Veneza.

 

Fonte da imagem: Prime Video (editada pelo Blog Sarau Literário)

 

O enredo trata de um escritor de meia-idade, Gustav von Aschenbach, que, em meio ao cansaço de uma rotina extenuante de trabalho e atravessando uma crise existencial, resolve passar férias na Itália, destino usual e quase clichê de muitos escritores alemães naquela época. Durante a viagem, o protagonista se depara com Tadzio, um belíssimo jovem polonês por quem se apaixona, embarcando em uma jornada ensandecida que resultará na sua própria morte, conforme o título da novela anuncia.

Observa-se, ao longo da narrativa, a instauração de uma verdadeira dança pelo abismo, em uma espiral de perturbações cada vez mais intensas que se iniciam no barco que leva Aschenbach até a Itália. É neste barco que ele encontrará a primeira manifestação de sua sombra em um velho vestido de forma ridícula e que se mistura sem critério com os jovens, atitude que, apesar de lhe causar repulsa, será a tônica principal de sua estadia em Veneza após o encontro com Tadzio. O ancião do barco pode ser considerado como um dos primeiros mensageiros da morte encontrados pelo protagonista ao longo da viagem, sendo o segundo deles o repulsivo gondoleiro que o conduz até Veneza. A descrição da gôndola como algo semelhante a um túmulo impacta a mente e os afetos do leitor, bem como a suspeita, nutrida pelo próprio protagonista, de que poderia ser assassinado a qualquer momento: “Mesmo que só estejas interessado em meu dinheiro e, com um golpe de remo pelas costas, me envies para a mansão do Hades, terei feito uma boa viagem”. Há, nesta passagem, uma fina e macabra ironia, travestida de um componente mitológico que nos permite efetivamente adentrar o reino dos mortos, ainda que Aschenbach pareça não desejar, pelo menos conscientemente, a sua própria morte. 

À medida em que se aproxima de seu fatal desfecho, o enredo mostrará que o protagonista toma o caminho da própria sombra beirando o ridículo nas perseguições a Tadzio, já não escondendo mais o que sentia e arriscando, até mesmo, a ser descoberto em meio ao absurdo de ingerir morangos estragados para não perder o rapaz de vista. A narrativa segue em uma gradação cada vez mais vertiginosa até a constatação de que a família polonesa estava abandonando o hotel em virtude de uma epidemia de cólera; após esta cena, o escritor presencia, na praia, uma luta em que Tadzio é quase morto pelo amigo Jaschu, em macabra antecipação do momento em que o jovem faz, contra a luz do sol, o mesmo sinal feito por Aschenbach quando tomou a decisão de realizar o mergulho fatal e definitivo nas águas turbulentas e sombrias de seu próprio inconsciente. 

O que a novela de Mann nos revela é o surreal itinerário de um homem na busca por algo que pode vir a governar a vida de um ser humano: o desejo. Este desejo é projetado na figura do belo rapaz que parece alimentar a obsessão do escritor de meia idade com migalhas de atenção, a exemplo do que acontece muitas vezes nas redes sociais, fomentando a proliferação dos tantos stalkers que presenciamos por aí. E o que o stalker percorre, ao fim e ao cabo, é apenas o desejo, mesmo que isso venha a significar a sua própria morte, na maior parte das vezes espiritual, mas física no caso de Aschenbach.

À parte o seu mérito literário inquestionável, Morte em Veneza nos conduz a pensar nas muitas vezes em que a alma humana insiste em perseguir o desejo sem se dar conta de que ele não é feito para ser perseguido e sim, para ser contemplado com distância segura e calculada, sem qualquer envolvimento que enrede a alma nas teias de um destino que pode se revelar trágico, inexorável e imutável.

 

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Greicy Pinto Bellin é doutora em Estudos Literários pela UFPR. É professora titular do Programa de Pós-Graduação em Teoria Literária e do curso de Graduação em Letras da UNIANDRADE.